Otra vez al ruedo...

Bueno, pasado este tiempo inactivo, volveremos al ruedo dentro de muy poco...

Por ahora les dejo esta tarjeta y aprovecho para desearles a todos que pasen estas navidades junto con las personas que mas quieran, y que comencemos un 2009 llenos de ganas y de proyectos.

LOBOS

Muchas veces dentro de una historia nos encontramos que debemos dibujar animales... para algunos artistas esto es agradable y para otros no tanto, en mi caso depende de que animal sea, pero en particular los lobos me agradan mucho.

Como en el caso de esta historia los lobos jugaban un papel fundamental en la suerte de los personajes principales ( Donald y cía. ) decidí darles un poco mas de atención de la que normalmente merece un personaje secundario.

Para ello primeramente tomamos como referencia el estandar de lobo estilo Disney , el que se viene usando desde hace medio siglo, siguiendo el estilo de Preston Bleir, pero desarrollando el comportamiento y las posturas de acción con nuestra propia creatividad, y tomando como referencia películas de lobos en la vida natural. Unos repasos a viejos documentales de vida silvestre nunca vienen nada mal y ayudan a enriquecer el trabajo final.

De esta manera descubrimos que estos animales tienen cierto patrón de comportamientos y algunas reacciones características que bien podemos incluir en nuestro trabajo, como por ejemplo el giro que dá el lobo en la entrada de la cueva de la figura anterior, típica reacción cuando algo repentinamente llama su atención en el sentido contrario al que se encontraba, realizando el giro sobre su pata de apoyo y equilibrando el peso de la cabeza con la cola antes de salir disparado en dirección contraria a la cueva
También podemos usar recursos de animación para enriquecer una acción dinámica , tal es el caso cuando tenemos varios animales realizando la misma acción

Este conjunto de lobos que se desplaza a la carrera nos da la oportunidad de aplicar varias posiciones características a la vez. Al dibujar los distintos momentos en la secuencia del paso del animal, nuestro ojo percibe la continuidad de movimiento y proyecta la acción hacia el punto al cual se dirigen.

Además, si tenemos en cuenta la línea de acción a la cual nos referíamos en posts anteriores, veremos que es fluida y sinuosa, como si se tratara de una corriente de agua o un viento que se desplaza hacia su víctima. Todo es válido para incentivar la acción del movimiento

Como la secuencia ya es dramática por si misma, y no queremos pasarnos de siniestros con la historia,unos pequeños toques de locura en algún lobo puede equilibrar la situación, como por ejemplo un aullido hacia el cielo mientras no para de correr, o una postura de trote en vez de carrera quitan el dramatismo exesivo, pero mantiene la tensión de la persecución que terminará abruptamente en la cima del precipicio

De esta manera tambien damos a entender que dentro de la manada existen individuos con su propio carácter, y enriquece considerablemente el resultado final.

Todas estas actitudes y reacciones de los lobos pertenecen a animales reales. hemos trabajado por separado cada movimiento y característica general de la especie y la hemos adaptado a lo que nos pedía el guión de la historia.

De esta manera , usando los bocetos de posturas reales, y aplicando los principios de las líneas de acción, tenemos un buen material que podemos aplicar en distintas ocaciones y con otros animales.

¿que es mucho trabajo por apenas unas viñetas? ¿que son demasiados pasos para una ecena tan corta? ¿que para que tanto boceto y líneas si luego al pulir y entintar se pierde gran parte de la fuerza del boceto?

Pues sí, eso es verdad, pero también es verdad que aunque ganemos un mínimo porcentaje de calidad en nuestra escena esto ayudará al resultado final de toda la historia, y si vamos sumando pequeños detalles , aumentaremos la calidad de nuestro trabajo, y por sobre todas las cosas, ayudaremos a disfrutar al lector, no hay que olvidar que ese es el objetivo final, y mas cuando se trata de jóvenes lectores que el día de mañana gustarán o no de la lectura dependiendo del material que les brindemos desde sus primeras experiencias con el comic!

Bueno, les dejo unos ejemplos mas para cerrar el post

LINEAS DE FUERZA

Siguiendo con la temática de las líneas, pero cambiando el sentido de aplicación, hoy tocaremos las comúnmente llamadas "lineas de fuerza".Casi la totalidad de los artistas que se interesan en el comic, ya habrán profundizado en el tema, pero nunca viene mal un repaso aplicándolo a los personajes que nos interesan.

Básicamente son unas lineas imaginarias que pasan aproximadamente por el eje de la figura dibujada, ayudando a resaltar su intencionalidad en la escena.
Usando apropiadamente estas líneas , ayudaremos mucho a conseguir el efecto visual que deseemos, ya sea dinamismo, tranquilidad, alegría, enojo, etc.

En la primera figura vemos como nos ayudamos con una linea de fuerza recta, y en dirección ascendente , justo hacia donde queremos que el lector dirija la mirada. Todo el lenguaje corporal del pato actúa acorde a esta situación, incluso su pata (o sea su pierna, no su novia) estirada paralelamente a la linea de acción, ayuda al efecto final. En la segunda figura, al encontrar lo que buscaba,el pato salta entre sorprendido y alegre, con lo cual la línea de fuerza se arquea en forma ascendente, acompañando la emocionalidad de la escena.

En esta secuencia, vemos dos ejemplos de acción en velocidad y frenada, dos extremos opuestos en cuanto a lineas de acción se refiere.

Existen algunas variantes para dibujar velocidad y frenadas, esta es solo una de ellas, y si por lo tanto hemos dibujado la velocidad con una linea de acción curva hacia atrás, lo mas lógico es terminar la frenada con una linea de acción curva hacia adelante, o sea exactamente lo opuesto, para incentivar aún mas el principio de " acción y reacción".

En esta última secuencia, vemos un solo tipo de línea de acción ( aunque en la segunda ilustración no esté dibujada) en ambos casos se trata de una linea de acción curva. En el primer dibujo vemos al personaje relajado, y a continuación bajo un shock emotivo, en donde la resultante de la línea de acción es un movimiento recto hacia arriba

LINEAS DOMINANTES

Antes que nada, y para aclararlo una vez mas, recordemos que estamos dentro de una diciplina muy flexible, y por lo tanto, sujeta a distintas interpretaciones, por eso este concepto de las lineas dominantes ,sirve de mucha ayuda cuando entintemos un comic o ilustración al estilo clasico tipo Carl Barks, y a lo mejor no sirva tanto para otros géneros de comics.

Para ir entrando en el tema, imaginemos al comienzo formas básicas, para entender mejor el concepto, y luego las aplicaremos a figuras mas complicadas.

Conceptualmente se tratan de líneas casi diametralmente opuestas, es casi por dónde tomaríamos un objeto si este existiera realmente. Es donde situaríamos las manos para sujetar una figura física si tuviera esa forma.

Si sobre una mesa tendríamos figuras recortadas en madera ( pesada) de la misma forma que las ilustraciones 4,5, y 6 , seguramente para levantarlas las tomaríamos por las partes en donde están entintadas , y esto por qué? pues porque sería por donde los objetos mantendrían mejor el equilibrio.

De la misma manera al entintar un objeto, trataremos de equilibrarlo visualmente .

Luego, cuando pasamos a figuras mas complejas, el principio se mantiene, pero con algunas variantes.

Cuando tenemos un solo objeto independiente del resto, como por ejemplo la figura 3, empleamos un concepto diferente que con la figura 1, ya que en este caso(fig 1) la mano, el brazo y la cabeza del personaje trabajan como una sola figura.

Lo importante es que ópticamente se mantenga un equilibrio uniforme en toda la figura entintada, como explicamos en el post anterior. Debemos conseguir que el ojo "lea" la figura entintada con toda claridad, y las líneas dominantes ayudan al ojo a una interpretación instantanea de la figura, luego, las lineas menores o de compensación permitiran apreciar los detalles.

Es lo mismo que sucede cuando oímos la música de una orquesta, los compases principales nos informarán automáticamente que genero de música estamos oyendo, y luego, los arreglos, nos permiten disfrutar de los detalles.

Al igual que un buen compositor , debemos distribuir inteligentemente los elementos de nuestra tinta para cautivar al observador.

FINLANDIA

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Este post es un poco atípico, y es solo para compartir una maravillosa experiencia que sucedió esta semana.

Un grupo de cuatro dibujantes de Donald Duck, entre los cuales me incluyo, fuimos invitados a presentar un libro recopilatorio que hicieron con nuestros trabajos en la feria del comic de Finlandia.

Al principio uno puede pensar que en un país con una población tan discreta (en cuanto a cantidad se refiere) como Finlandia, los números de comics que se leen pueda ser reducida, pero fue una sorpresa darnos cuenta que la lectura de comics es algo masivo, abarca todas las edades y gustos y para nuestra grata sorpresa el comic juvenil es el responsable del mayor porcentaje de ventas.

Los Finlandeses tienen el envidiable hábito de la lectura ( aparte de la conducción sobre hielo, por supuesto)arraigado en su cultura, y poseen en sus ciudades librerías de un tamaño y variedad que ya quisieran para sí cualquier capital europea con dos o tres veces mas de habitantes, y dentro de las librerías, un lugar privilegiado para los comics juveniles... realmente un sueño hecho realidad.

Mas adelante hablaré detalladamente sobre la experiencia y las tendencias locales, pero antes terminaremos con el post de las lineas de fuerza en el entintado que quedaron pendientes de la semana anterior.

Paso a paso

Este es simplemente un ejercicio para aplicar un poco lo hablado anteriormente. Los materiales son los de siempre, un papel Fabriano común de gramaje medio, tinta china Pelikán a la perla, y una pluma Brauser como la del post anterior.

Lo mas importante a tener en cuenta es visualizar primero cuales son las líneas dominantes en el dibujo, y comenzar por ellas (segundo dibujo del ejemplo) de esta manera ya establecemos un conjunto visual armónico y contundente, estas son las líneas de fuerza que "encerrarán" al personaje, permitiendo que el ojo del observador se mantenga dentro de la figura.

Luego seguimos con las líneas de "compensación " , que si bien podemos bajar un poco la intensidad del entintado, siempre debemos mantener el trazo con una modulación fino-grueso-fino.

Finalmente pulimos los detalles, teniendo en cuenta que las líneas interiores del personaje son un poco mas finas que las del contorno, pero sin exagerar, de esta manera evitaremos empastar o borronear las zonas pequeñas con muchos detalles.

Ahora rellenamos de negro con un pincel , y retocamos los fondos y los trazos que no tengan la calidad suficiente con tempera blanca. Ya tenemos listo el original para pasarlo al departamento de color.

La importancia de la LINEA

Bien, en un principio, parece una tontería, cualquier persona aunque no esté familiarizada con el dibujo, se dará cuenta que entre los ejemplos anteriores hay dibujados arbustos, mantequilla, madera, etc . y seguramente cumplen los requisitos para desempeñar su papel dentro de la mayoría de los cómics juveniles,pero...¿que pasa si le quitamos el color? ¿Seríamos capaces aun de identificarlos? Este es el verdadero reto.

Aunque en definitiva , en este ejemplo solo disponemos de una forma geométrica básica (un cubo de proporciones irregulares) aún podemos distinguir los distintos elementos, y aunque falte el color de referencia , nuestro cerebro igual percibe la textura del arbusto, el frío del metal, o lo blando de la mantequilla, por que? Pues gracias a LA LINEA .

Nunca me canso de recordar la importancia de la linea en el dibujo a tinta, pues ella es la responsable de formar las distintas texturas que diferenciarán los elementos.De esta manera podemos transformar un mismo objeto( un cubo )en varios elementos distintos según apliquemos lineas blandas o duras.

Para ello es necesario tener cierta soltura con la pluma, que se consigue solamente con ejercicio y horas de experimentación, pero es imprescindible para un entintador manejar a la perfección aunque sea las texturas básicas, ya que son estas las que aportarán el realismo necesario para que funcione nuestro comic.

Como les decía al principio, parece una tontería, pero es uno de los pilares básicos de un buen comic. Es muy bueno para nuestro trabajo que siempre dediquemos un tiempo para ampliar nuestro conocimiento de texturas, ya que son herramientas que necesitaremos usar en cualquier momento.

Una forma muy buena de practicar, es tomar formas geometricas simples (esferas, conos ,cubos, etc.) y transformarlos en distintos elementos, para luego pedir a otras personas que lo identifiquen.(Los niños suelen ser en estos casos los mejores jueces, ya que no tienen un condicionamiento previo, y dicen lo que realmente ven)